CONVERTIRSE EN UNA MARCA
Su talento no tardó en llamar la atención. Creó ilustraciones para revistas de moda, diseñó anuncios y realizó portadas de discos. Pero aquello no era suficiente. Warhol no quería permanecer detrás de las marcas ajenas. Quería convertirse él mismo en una marca.
POP ART: ARTE DEL SUPERMERCADO
En 1962, Warhol expuso sus primeras pinturas de latas de sopa Campbell. Treinta y dos lienzos presentaban la aparente monotonía de la vida de consumo. ¿Qué podía haber más corriente? Esa fue precisamente la intuición de Warhol. Transformó la cultura de masas en arte.
Durante siglos, los pintores habían representado dioses, reyes y revoluciones. Warhol decidió que los nuevos dioses eran Marilyn Monroe, Elvis Presley, las latas de sopa y los billetes de dólar. Tomó imágenes cotidianas y las convirtió en iconos.
Díptico de Marilyn (1962) se encuentra entre sus obras más famosas. El retrato de Monroe se divide en dos zonas: luminosa y radiante a la izquierda, desvaída y sombría a la derecha. El contraste contrapone la imagen fabricada de una estrella a la tragedia de su destino.
THE FACTORY: CLUB BOHEMIO Y PARAÍSO ARTIFICIAL
A mediados de la década de 1960, Warhol creó The Factory, un estudio que se convirtió en centro de la escena underground neoyorquina. Artistas, músicos, modelos y millonarios se reunían en la quinta planta del número 231 de East 47th Street, en Manhattan. The Factory producía imágenes en grandes cantidades. Entre las mismas paredes se creaban pinturas y se rodaban películas de vanguardia.
Warhol se convirtió en algo más que un artista; se convirtió en una marca. Llevaba peluca, hablaba con enigmas y cultivaba un aura de misterio. Comprendía el poder de los medios y lo utilizaba deliberadamente. La gente quería tener acceso a su vida. En ese sentido, fue uno de los primeros artistas-influencers.
EL TIROTEO QUE LO CAMBIÓ TODO
El 3 de junio de 1968 se atentó contra la vida de Warhol. Valerie Solanas, feminista radical y conocida del artista, había escrito una obra de teatro y esperaba que él la produjera. Warhol consideró que el texto era demasiado vulgar, y posteriormente el manuscrito se perdió en su estudio. Solanas se convenció de que pretendía robarle la obra. Empezó a hacer llamadas amenazantes y, con el tiempo, Warhol dejó de responder.
Aquel día, Solanas acudió a la oficina de Warhol. Entró en un ascensor con Warhol, su representante Fred Hughes y el crítico Mario Amaya. Sacó una pistola y disparó varias veces. Una bala falló; otra rozó a Warhol; una tercera le atravesó el abdomen y dañó varios órganos.
Después, Solanas hirió a Amaya e intentó disparar contra Hughes, pero el arma falló. Huyó y más tarde se entregó a la policía.
Warhol fue declarado clínicamente muerto en el hospital, pero una operación de cinco horas le salvó la vida. Pasó dos meses recuperándose y se sometió a repetidas intervenciones. Durante el resto de su vida llevó un corsé quirúrgico.
El ataque lo cambió. Se volvió más cauteloso y retraído, y restringió el acceso a su círculo. El giro también afectó a su obra.
LA MUERTE COMO PARTE DEL POP ART
A comienzos de la década de 1960, Warhol inició su serie Muerte y desastre. Si las latas de sopa y los retratos de famosos registraban las imágenes de la cultura de masas, estas obras insistían en que la muerte estaba igualmente integrada en los medios cotidianos.
Silla eléctrica se convirtió en una de las imágenes que definieron la serie. Warhol tomó una fotografía de prensa de una cámara de ejecución vacía y la transformó en un símbolo frío y silencioso de la muerte infligida por el Estado. La imagen se ha asociado a menudo con la ejecución de Julius y Ethel Rosenberg, condenados por espionaje.
Warhol despojó la escena de emoción manifiesta. La muerte se volvió mecánica y extrañamente rutinaria: un hecho mediático convertido en una imagen reproducible.
LA VIDA COMO ARTE, EL ARTE COMO NEGOCIO
Warhol nunca fingió avergonzarse del dinero. Lo convirtió en tema y en principio. Antes de él, muchos artistas se distanciaban públicamente del comercio y seguían aferrados a la idea del arte como algo elevado y desinteresado. Warhol declaró que el arte era un negocio.
Sus obras no siempre eran objetos únicos. Las reproducía deliberadamente y creaba una marca reconocible, comparable a un logotipo comercial. La estrategia parece familiar hoy, pero en la década de 1960 puso en tela de juicio los valores del mundo del arte.
Durante la década de 1970, Warhol realizó retratos por encargo para clientes adinerados mientras publicaba cientos de serigrafías. El arte se convirtió en una cadena de producción. Otros artistas lo acusaron de cinismo, mientras los críticos lo tachaban de oportunista comercial. Sin embargo, este enfoque contribuyó a convertir a Warhol en una superestrella. En 2022, Shot Sage Blue Marilyn se vendió por 195 millones de dólares.
A partir de 1974, Warhol también llenó cajas de cartón con materiales de la vida cotidiana: cartas, recibos, recortes de periódico y objetos del estudio. Se conservan más de seiscientas de estas «cápsulas del tiempo», cada una de ellas un registro en miniatura de la vida neoyorquina de la época.